«El buen arte debe generar pensamiento crítico». Entrevista a Susana Blas

Entrevista a Susana Blas, comisaria del proyecto expositivo EN LUCHA COMÚN. De mujeres y hombres feministas, que se presentará en Madrid, del 20 al 22 de mayo, en la quinta edición de la feria MASQUELIBROS, dentro del marco de la Bienal Miradas de Mujeres 2016.   MASQUELIBROS, la Feria del...

Entrevista a Susana Blas, comisaria del proyecto expositivo EN LUCHA COMÚN. De mujeres y hombres feministas, que se presentará en Madrid, del 20 al 22 de mayo, en la quinta edición de la feria MASQUELIBROS, dentro del marco de la Bienal Miradas de Mujeres 2016.

 

MASQUELIBROS, la Feria del Libro de Artista de Madrid, cumple este año su quinto aniversario y vuelve a celebrarse en la Biblioteca Pública Municipal Eugenio Trías (Casa de Fieras de El Retiro), del 20 al 22 de mayo.

Confirmando el interés creciente que el libro de artista ha suscitado en los últimos años, tanto a nivel creativo como desde el punto de vista del mercado, la feria sigue consolidando su posicionamiento como referente de este ámbito dentro del panorama artístico español. Esta edición contará con la presencia de 77 expositores, entre artistas individuales, colectivos de artistas, escuelas de arte, talleres de obra gráfica y editoriales. Asimismo, presentará una serie de proyectos especiales, entre los que destacan “Proyecto Espora”, un recorrido expositivo por diferentes espacios de la ciudad, con México como país invitado; la instalación “La Perfecta Casada”, de 19 metros de largo y realizada con más de 700 páginas de libro, de Elena del Rivero, artista invitada de MASQUELIBROS 2016, y dos piezas, “Soy texto” y “VENDOVCAMBIOBUSCO”, de Ana Vázquez Anamusma, Artista Emergente de MASQUELIBROS 2016.

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Detalle de un expositor de la pasada edición de la feria MASQUELIBROS.

Como ya en pasadas ediciones, la feria estará acompañada por una agenda de actividades paralelas: conferencias, mesas redondas, talleres, acciones y exposiciones en torno a los temas del coleccionismo y del feminismo, desde diferentes perspectivas. Dentro de este programa paralelo, destaca sin duda el proyecto expositivo EN LUCHA COMÚN. de mujeres y hombres feministas, que se presentará en los días de la feria en colaboración con la Bienal Miradas de Mujeres 2016.

Comisariada por Susana Blas y coordinada por Tonia Trujillo, la exposición podrá verse en el propio edificio de la feria (Biblioteca Eugenio Trías). Consta de 10 propuestas instalativas, que han sido seleccionadas a través de una convocatoria, a la que podían presentarse tanto hombres como mujeres, y que abordan el feminismo como herramienta de pensamiento crítico y actitud de cambio social. EN LUCHA COMÚN. de mujeres y hombres feministas se completará con una mesa redonda con el mismo título, que tendrá lugar el sábado 21 de mayo, a las 13:30 horas, en la que participarán Marisa González, en representación de MAV (Mujeres en las Artes Visuales), Óscar Nembrini, en representación de la Asociación AHIGE (Asociación de Hombres por la Igualdad de Género), lxs artistas seleccionadxs en la convocatoria, Susana Blas y Tonia Trujillo.

En la entrevista que se puede leer a continuación, he tenido el gran placer de hablar con la comisaria Susana Blas de este interesante proyecto; analizando la relación entre arte y feminismo y reflexionado sobre feminismo masculino, pensamiento crítico, conmoción… y mucho más.

¡Muchas gracias a Susana por su disponibilidad y muchas gracias a tod@s vosotr@s, una vez más, por seguir el blog!

Marina Vargas, "Smith&Wesson”, 2011. Pintura esmalte sobre madera. Imagen convocatoria del proyecto expositivo EN LUCHA COMÚN. Masquelibros 2016.

Marina Vargas, “Smith&Wesson”, 2011. Pintura esmalte sobre madera.
Imagen convocatoria del proyecto expositivo EN LUCHA COMÚN. Masquelibros 2016.

Entrevista a Susana Blas

 

A la convocatoria de EN LUCHA COMÚN. De mujeres y hombres feministas podían presentarse tanto mujeres como hombres. ¿Se ha presentado algún artista hombre?

Sí, se han presentado artistas masculinos en un 15% respecto a un 85% de artistas mujeres. Finalmente, de las diez instalaciones, hemos elegido una en la que hay un artista: Daniel Carretero, que forma parte del Colectivo di[ë]resist junto con Inma Haro. El nivel de los proyectos presentados era muy alto y hemos primado la calidad de los mismos y que respondieran a los distintos matices de la propuesta, pero ya solo por el hecho de que los hombres se animaran a participar estamos muy satisfechas.

¿Esta reducida participación de los hombres te sorprende, o es algo que de alguna manera te esperabas?

Es lo que esperábamos. Las mujeres llevan décadas trabajando los temas de género y conocen las teorías de la perspectiva feminista con mayor hondura, luego era lógico que presentaran más propuestas y formuladas de un modo más serio. Pero esto no impide que estemos muy contentas por haber recibido también proyectos de instalación de hombres.

El hecho de extender la perspectiva feminista a la participación directa de los hombres me parece una estrategia muy interesante y necesaria (en general y no sólo en relación con este específico proyecto artístico) de cara a la difusión de una educación no sexista y a la superación de los estereotipos y de las desigualdades que siguen existiendo, en la sociedad actual, entre hombres y mujeres. ¿Podríamos decir que es éste el núcleo temático central, el motor, de tu proyecto?

Absolutamente. Ese es el matiz importante del proyecto. Nosotras creemos que lograr una sociedad más justa en la que paulatinamente se elimine la desigualdad de género (considerando además los factores de clase y de raza), solo puede lograrse si nos implicamos todos los ciudadanos, no solamente las mujeres. Ser ciudadano feminista significa perseguir esa igualdad y luchar por ella, independientemente de ser hombre o mujer.

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Susana Blas (der.) y Marina Vargas (izq.) junto a “La Piedad invertida” de Marina Vargas. Inauguración  ”El Bosque interior” (Sala Juan Francés de Zaragoza, 2015).

¿Crees que algo está empezando a cambiar, en las conciencias y en los hábitos de los hombres, con respecto a las cuestiones de género, o todavía seguimos estando lejos de una plena aceptación de la igualdad de condiciones y de trato entre hombres y mujeres?

Sí se perciben avances, pero no debemos ser ingenuas. Esos avances no son todo lo rápidos que quisiéramos porque al sistema capitalista no le interesa que se produzcan. Como las economistas feministas han explicado en tantos artículos e investigaciones, el sistema capitalista se sustenta en su base por una masa de población, más de la mitad de la humanidad (las mujeres), que se ocupan de los cuidados de los dependientes (niños, mayores, enfermos) en condiciones de precariedad (sin horarios, sin remuneración y con una entrega emocional imposible de pagar en términos económicos). Como mucho, algunas mujeres de la clase privilegiada, son sustituidas en su misión de cuidadoras por otras mujeres más pobres y débiles, de la cadena femenina de cuidados.  En mi opinión, solo repartiendo estas funciones de la casa entre todos, revalorizando el papel de cuidar, y promoviendo otros modelos de sociedad y de actitud hacia el concepto tradicional de familia, esta situación evolucionará de verdad hacia modelos más equilibrados y justos.

¿Qué papel juega hoy en día, en tu opinión, la mujer dentro del sistema del arte globalizado, en general, y dentro del español, en particular?

Considero que el arte no es más que una esfera más del sistema global, y tristemente, en el contexto del arte, las mujeres, también realizan las funciones de coordinación y de mantenimiento, “de cuidar”, tal y como lo hacen en el hogar. Sobre este tema escribí hace unos años un artículo desde mi experiencia personal: “Trabajadoras del arte y economía de cuidados. Una valoración desde la experiencia personal”.

Según el crítico italiano Renato Barilli, uno de los fenómenos más significativos del los primeros lustros del Siglo XXI, dentro del sistema del arte, es la total reconfiguración de la relación hombre-mujer en favor de un protagonismo cada vez mayor de las artistas mujeres. En su opinión, esto habría conllevado un cambio fundamental, no sólo a nivel poético sino también, y sobre todo, a nivel antropológico, que estaría transformando el rostro mismo del arte. ¿Existe, en tu opinión, una especificidad femenina en el arte, es decir, un arte de género con características propias y distintas, capaz de modificar la manera tradicional de entender el arte?

No creo que exista un arte propiamente femenino. Lo que sí existen son artistas (hombres y mujeres) que comparten unos intereses, hacen trabajos con estas preocupaciones, y pueden presentar similitudes formales o de contenido; pero la perspectiva desde la que cada artista trabaja es individual, más allá de ser mujer u hombre.

¿Existen un arte feminista masculino?

Empezaré diciendo que existen personas que tienen un posicionamiento y un compromiso feminista, pero no creo que exista un arte feminista. Se trata de cosas distintas. Una pieza de arte siempre está abierta a multitud de valoraciones e interpretaciones. En mi opinión no existen obras de arte feminista femenino o masculino; existen artistas con un compromiso vital feminista que impregna el arte que hace y otras facetas de su vida: sus escritos, su vida en sociedad, sus relaciones familiares, etc.

Entre las propuestas que se han presentado a la convocatoria has seleccionado diez proyectos. ¿Ha sido una elección difícil? ¿Qué criterio (o criterios) has utilizado?

Ha sido muy difícil porque el nivel de las propuestas era altísimo y me fascinaban muchas. Era difícil elegir y enseguida Tonia Trujillo y yo nos dimos cuenta de que debíamos pensar la muestra en conjunto. Teníamos que tener una idea de exposición en la cabeza, más allá de que las obras recogieran las temáticas de la convocatoria.  Y la primera decisión fue huir de la espectacularización y de los grandes formatos.  Pensamos que podríamos hablar desde lo micro a lo macro, de lo personal a lo colectivo, personalizando lo político, de ahí que alejándonos del efectismo, preferimos sutiles instalaciones, en algunos casos diminutas, que hay que encontrar y en las que hay que detenerse.

Del mismo modo que el sencillo gesto de abrir un pequeño libro puede despertarnos a nuevas formas de pensamiento, nuestras instalaciones escondidas reclaman al paseante un esfuerzo de reflexión y un compromiso.

¿Has privilegiado algún formato o tipología de obra en concreto?

Tampoco queríamos pasar por alto que estábamos inmersas en una feria de libros, de libros de artistas, y que eso implica pensamiento, estudio, memoria, reflexión. Por ello se eligieron proyectos que en muchos caso se relacionan con la acción de leer, que homenajean el papel y el libro, y que a veces entran en diálogo con el propio edificio: la Biblioteca Eugenio Trías. Es el caso de los collages de Aurora Duque que situados en la Sala de revistas dialogan irónicamente con las revistas rosas, o la revisión del pasado del edificio como antigua “Casa de Fieras” que hace Diana Larrea. De modo que “lo micro”, “lo escondido”, “el diálogo con la memoria de los espacios”, son aspectos que han estado muy presentes en la elección final de los formatos.

¿Puedes adelantarnos algo de lo que se va a encontrar el espectador? ¿En qué consistirá concretamente la exposición? 

La exposición, titulada “En lucha común. De mujeres y de hombres feministas” la componen diez instalaciones que se adentran en las tensiones emocionales, las contradicciones afectivas y los retos colectivos a los que nos enfrentamos para construir una sociedad justa e igualitaria. Ponemos el énfasis en cómo la lucha feminista por la igualdad de género empieza en lo personal, desde el territorio de lo cotidiano; de ahí la importancia de revisar en casa los conceptos de respeto, diálogo, conciliación, responsabilidad y cooperación.

Distintos problemáticas sobrevuelan la exposición: la necesidad de la transformación de roles y de estereotipos, la violencia contra las mujeres, la economía de cuidados, el lenguaje machista y la educación no sexista, entre otras.

Como te comentaba anteriormente, la idea es que estas piezas no se vean de un modo evidente al entrar en la feria, sino que el visitante, ayudado por una señalización concebida expresamente, las vaya descubriendo y tenga el espacio y el tiempo para analizarlas. Para ello hemos utilizado ventanales, lugares de tránsito, zonas de uso común de la biblioteca, pasillos, huecos detrás de ascensores, y no los espacios centrales más evidentes. Las ubicaciones, son parte del concepto.

Ahora pasaré a hablarte un poquito de cada obra, dando la palabra a las artistas:

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María María Acha-Kutscher, Femen en Cibeles/Serie Indignadas (2015).

Impresión digital sobre lona de 160 X 216 cm.

“La pieza es un registro visual de la acción que realizó el colectivo feminista Femen en la fuente de Cibeles en 2015, para protestar contra la Ley Mordaza. La pieza pertenece a la serie Indignadas del proyecto Mujeres Trabajando por Mujeres, que consiste en un registro visual basado en fotografías de prensa de la participación femenina en las protestas públicas a nivel global”.  M.M.A-K

www.acha-kutscher.com

 

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Marta Beltrán, Negación (2015-2016).

Instalación variable con dibujos de 42 x 22,97 cm cada uno.

“Dibujos en pequeño formato que trabajan la representación de la figura femenina como expresión de los contenidos de su propia psique. Se parte de la apropiación de fotogramas de películas del nuevo cine europeo de los años 60 y 70, incluyendo cine realizado por mujeres, que giran alrededor de conceptos como la adolescencia, la maternidad, la sexualidad, la violencia y la muerte. Con ello se trata de describir un posible marco material y simbólico en el que se desarrolle la iniciación femenina”. M.B

http://cargocollective.com/martabeltran

 

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Aly Calle, Palíndromos (2016).

Instalación de dimensiones variables (de 1,50 a 1,80 cm). Formada por collages de 21 x 15 cm.

“Seis collages de pequeño formato colgados de una cuerda de tender la ropa. La instalación lleva al espectador a lo cotidiano, de lo doméstico a lo patriarcal. La colada tendida, se convierte en un escaparate de escenas inquietantes que hablan de la imagen de la mujer, en un espacio temporal indefinido. El proyecto muestra claras pinceladas fetichistas, viendo el fetichismo como uno de los constituyentes en la creación de sexo, rol y género”. A.C.

http://alycalle.blogspot.com.es/

  

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Colectivo di[ë]resist (Inma Haro y Daniel Carretero), Im:posturas (2014).

Video-danza a partir de pieza escénica. 6’ 56’’.

“Durante toda la obra, ella es él y él es ella. Intercambiamos el género de los intérpretes. Dentro de la impostura, existe tal confusión en las personalidades que hasta los personajes confunden su género. Im:posturas trata de enmascarar. Cubre con un antifaz afilado lo que parece estar sucediendo. Tapa con palabras. Reviste con movimientos. Personalidad y género se confunden. Nadie es él. Nadie es ella. Dos personajes, “elle y ella” inventan una ciudad para dar forma tangible a la impostura. Un lugar donde poder llevarla a cabo”. di[ë]resist

http://www.missharo.blogspot.com.es/

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Isabel Cuadrado, Útiles (2016).

Instalación de vinilos y de papel de medidas variables. Cada papel es de 65 x 48 cm. 

“En 2011 ya realicé una instalación con cuchillos y tijeras clavados en el suelo que titulé “Parejas”. Me interesa como utensilio su universalidad, la ambivalencia entre  masculino y  femenino y su doble cualidad de herramienta y arma. Los objetos corresponden a oficios asociados a los géneros. Las tijeras se asocian generalmente a labores femeninas, aunque muchas pertenecen a barberos, sastres, pescadores… Los cuchillos poseen un doble carácter como utensilio de cocina o como arma”.

http://isabelcuadrado.blogspot.com.es/ 

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Aurora Duque, Esto NO es amor, quien lo probó lo sabe (2016).

Instalación de once collages de 29,30 x 20,30 cm cada pieza.

“A través de once collages analógicos, realizados con revistas antiguas y en algún caso con retoques de acuarela, quiero mostrar el camino vital que recorren algunas mujeres al iniciar una relación en la que, en nombre del amor, sufrirán la violencia en la intimidad, en la familia, en la sociedad, que unidas, como en un collage, dan forma a la imagen (silenciada) del maltrato. En el proyecto no se habla de culpables, se habla de silencios. El silencio de la mujer maltratada, de la familia, de la sociedad. Parto de un poema de Lope de Vega que aborda sensaciones y sentimientos reconocidos como esenciales en el amor y entre los que se encuentran tradicionalmente el daño, el sufrimiento, la tristeza, la sumisión” A.D.

www.losdiascontados.com

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Anna Jonsson, La perra llorona (2015).

Vídeo-performance.  4’ 36’’.

Leer y llorar. “Una perra/mujer-esfinge doméstica está inmersa en la lectura viviendo la vida de otros. Intérprete: Elisa del Pozo. Música: Damián Schwartz. Cámara: José Toro.  Parte de la escultura viva: ‘La perra llorona’, que se llevará a cabo en vivo, en la feria. En la feria necesitaremos la colaboración de una voluntaria o voluntario (o de varios, si se cansan) que tendrán que disfrazarse y maquillarse y subirse a una mesa y en la postura de la perra, leer un libro y ‘hacer como si lloraran’ ¡Y cuanto más rímel corra, mucho mejor!” A.J.

http://annajonsson.weebly.com/

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Diana Larrea, Despiece (2016).

Intervención pública. Vinilos adhesivos.

“Pareja de dibujos a modo de folletos o posters informativos, donde establezco un paralelismo visual entre la silueta del cuerpo femenino y el despiece de cortes vacunos propios de las carnicerías. Planteo una crítica sobre la cosificación sexual del cuerpo de la mujer. Mi propuesta traza además una sutil conexión con su localización, la antigua Casa de Fieras de El Retiro, un recinto que albergaba animales exóticos para su exhibición ante el público. Al mismo tiempo, este trabajo también puede ofrecer una segunda lectura animalista en contra de la explotación animal existente en la industria cárnica”. D.L.

http://www.dianalarrea.com/

 

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Jana Lottenburger, Segments II/ Lesperon (2013/2016).

Instalación de kakemonons en las ventanas. Dimensiones variables.

Proyecto que analiza la memoria familiar a través de un análisis del entorno en el que la artista creció. “Tengo la necesidad de comprender lo que ha pasado en el interior de mi familia, pues yo también sentiré la necesidad de explicárselo a mis hijos cuando sean suficientemente mayores para comprenderlo (…) Deseo continuar construyendo el inventario de colonización y de simbiosis, mostrar rastros y efectos, mezclarlos con las imágenes relacionadas con el muro de Berlín, y quizás abrir un poco más el misterio de lo que es impuesto a una entidad, natural no, y de aquello que coloniza o parasita”. J.L.

http://janalottenburger.ultra-book.com/accueil

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Marta Sánchez Marco, Ágape Ornis (2016).

Fotografía de gran formato sobre muro. Dimensiones variables.

“Su nombre proviene del griego y significa “pájaro del amor” (ágape – amor; ornis – pájaro), en alusión a los fuertes vínculos que este ave establece con su pareja. Por el mismo motivo, lo llaman también ‘el inseparable’. Es muy difícil distinguir a primera vista si un agaporni es macho o hembra”. M.S.

http://www.martasanchez.info/

 

¿Destacarías algo en particular de este proyecto expositivo?

De este proyecto, en primer lugar, destacaría que hubiera sido imposible realizarlo sin el trabajo de Tonia Trujillo, la coordinadora. Precisamente de mujeres coordinadoras y de conservadoras en la sombra está lleno el mundo del arte. Sin ella, “En Lucha común” no existiría. Justo de esto estamos hablando en esta muestra: de poner al mismo nivel las labores de todas los trabajadores del arte. Quiero destacar la entrega y la enorme calidad del trabajo de Tonia para sacar adelante estas diez instalaciones.

Y en segundo logar quiero agradecer y destacar que Oscar Nembrini, miembro de la asociación AHIGE (Asociación de Hombres por la Igualdad de Género), nos acompañe en la mesa de debate. Creo que hay que conocer que hay grupos de hombres feministas en todo el mundo que se están organizando para crear otros modelos de sociedad en los que ellos también participen y disfruten de los cuidados, de la crianza, y de una vida más igualitaria.

¿Qué puede aportar el arte a esa lucha común a la que se refiere el título de tu proyecto?

El buen arte debe generar pensamiento crítico, y nosotras buscamos que los visitantes que se acerquen a sentir las instalaciones piensen sobre los temas abordados, que sus conciencias se revolucionen.

¿Crees que el arte tiene un valor político (en un sentido amplio del término)? ¿Debe (o puede) el arte cambiar el mundo?

Todo arte tiene un posicionamiento político. Incluso el arte más formalista o decorativo está optando por determinados valores y actitudes y está prescindiendo de otros, y eso es ya una declaración de intenciones, aunque la artista no sea consciente.

En mi opinión, más que cambiar el mundo, el arte cambia a la personas a nivel individual y eso es un motor de cambio con un potencial inmenso. El arte, y la cultura en general, te hace crítico y eso te otorga un enorme poder. De ahí que el sistema no quiera que la cultura se plural y comprometida.

El arte es también un bálsamo en los malos momentos que nos toca pasar en la vida.  Trato de enseñar a mis hijos que “el arte te salva de muchos pesares”, pero tampoco impongo su estudio. Pienso que tanto el arte como la afición por la  lectura se enseñan “por contagio”, nunca por imposición.

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Susana Blas durante el montaje del cuadro de Santi Lara “El encuentro”. 
Montaje El Bosque interior (Sala Juan Francés de Zaragoza, 2015)

 

¿En qué otros proyectos estás trabajando actualmente?

Todos mis proyectos comienzan como escritura, y luego, con el tiempo, algunos adoptan otros formatos: una exposición, una publicación más ambiciosa, unas jornadas de debate… etc. En este momento estoy escribiendo varios ensayos, pero quizás destacaría el texto-conversación que he preparado para el catálogo del pintor Santiago Lara (Tomelloso,1975), sin duda uno de mis pintores favoritos, para su primera exposición individual en Alemania, en la galería POP68 de Colonia, que inaugura el 11 de junio.

La peculiaridad de este texto es que le pedí a Santi mantener la charla sobre los referentes literarios y cinematográficos de su obra (que por otra parte es tan colorida, outsider y emocional), mientras jugábamos al ajedrez. Intuí que añadir esta dificultad permitiría a nuestro cerebro desviarse por caminos insospechados. Desconectada la memoria base, la accesoria se perdería en los rincones, en los lugares de nadie de la mente, en las carreteras secundarias. Y así fue. El resultado nos ha conmovido mucho… Bueno, el arte es eso: conmoción.


 

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